Care at Duke’s Art Annexe

Posted: July 28th, 2019 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge | No Comments »



A one week residency for practice base research experimentation

The goal of the weeklong workshop is to generate an argumentative collection of images, maps, drawings, videos and photographs of what ‘care’ represents to the participants.
Each day participants will engage in fieldwork to collect these elements.
The collections will be accompanied by a supporting production of notes, poems, texts or any kind of annotated description of their collection fieldwork experience.
At the end of the week, everyone gets:
1. a photograph, a text, a drawing or a trans-media collection.
2. a complete text to explain the work, that integrates the day to day texts accompanying each element/item.
3. a map of his/her own process and representation of his/her own thematics.
Every evening, a collective meeting will be convened to share the items collected and discuss to further issues.

N. B. The one week workshop production will be held at Duke’s Art Annex.

About CARE

How can the idea, concept and notion of CARE be depicted?
The first part of this proposal takes the form of an intensive workshop, directly addressing representations of ‘care’.

Participants come up with a subject about various topics associated to care for them:
- Environmental care such as concern for the natural world, animals, plants or, environmental issues.
- The notion of dwelling can be approached such as how to care for one’s household. Or assisted or domestic care can also be depicted (i.e. for old people, blind or disabled people, or pediatric).
- Holistic or physical care: dance, body techniques such as yoga, martial arts, singing, sports, etc.
- Communicative care: Everyday life gestures that exhibit compassion, concern or empathetic consideration.
- Clinical or psychological care: health, newborn, hospital, clinic, mental health.
- Societal care: Public spaces such as streets, communal gardens and parks. The goal of the weeklong workshop is to generate an argumentative collection of images, maps, drawings, videos and photographs of what ‘care’ represents to the participants.

Each day participants will engage in fieldwork to collect these elements.
The collections will be accompanied by a supporting production of notes, poems, texts or any kind of annotated description of their collection fieldwork experience.
Every evening, a collective meeting will be convened to share the items collected and discuss to further issues.

Plan and timeline of the workshop

On the first morning, each participant comes with questions, images, ideas about her or his fieldwork project. The whole day is devoted to field research: what will be the location/ subject/human demographic they will focus on during the week?
The task will be the same every day: gather a collection of items that represent an idea of care. For that collection, one can chose to explore a single media, or go for a multi-media experiment that ranges from drawing to shooting videos and taking images. – what were the challenges linked to their specific selection? – how can one create a representation of the question of care? This will take the form of a short text, which could be:
- a glossary
- an index
- a poem
- a description of the protocol/technique adopted
- a creative text.

By the end of the afternoon, all the participants will gather and discuss each other’s materials:Each day, students will edit a part of their collection as it grows from one day to the next.

At the end of the week, everyone gets:
1. a photograph, a text, a drawing or a trans-media collection.
2. a map of his/her own process and representation of his/her own thematics.
3. a complete text to explain the work, that integrates the day to day texts accompanying each element/item.

NB: Fieldwork will be encouraged to take place within a manageable working perimeter of the workshop venue to enable participants to freely work back and forth.

Collection methodology during the workshop

Various collection techniques will be possible to pursue:

1) The daily photograph protocol

Take this particular week of your life as an intensive photography week (this could be in video format or blind picture experiment).
Explore the way you look at things. Collect as many impressions as you can.
Test as many things as possible and come and share your collection with others at the evening appointment.

2) The drawing protocol

This experiment will work very effectively with drawings. Try out many different drawing techniques from charcaol to ink.

Draw only single parts or details that make sense to the participant’s understanding of the concept.

Consider drawing as an act of caring.

3) The blind picture protocol

A blind picture is an image memory process.
A person creates an image in his/her mental eye. It is a mental image to share.
To manifest the image’s actual existence, it is has to be documented on paper through the act of a written description.
Once a day, sit somewhere. Observe a situation.
Frame it.
Write it.
Describe it exactly as it would be if you were taking a photograph.
Write every single detail appearing in the frame of your mental eye. At the collective evening meeting, one has to share his blind picture with another who will re-write it.
Compare the two versions of the texts. What has changed?
Talk about your images. Compare them.
Find a form on which you both agree to be a proper version of the blind picture.
Each day collect the 3 versions of the blind pictures.
Take notes on the protocol/technique(s) applied, and how it relates to your difficulty or enjoyment.

4) The mapping protocol

During the workshop, the full experiment is documented in the shape of a mind map.
What are the relationships between places, people, actions, intentions, ideas…?
How do you represent various types of ontologies? (i.e. the ways tings are, become, transform).
The mind map can integrate images, photographs and drawings. It can be colored or black and white.
It can evolve by simple expansion or through layering.

selfportrait, Chennai, 2008

About the artist

Anne Dubos is an anthropologist and a transmedia artist. Her research focuses on both fundamental objects (such as Indian aesthetics, cognition, praxeology) and the design of experimental devices for theatre and dance. Since 2005, Anne Dubos traces the study of the history of Indian theatres and highlights the variety of techniques of the body of the actor. In search of new paradigms, she questions today the emergence of new theories on perception of movement and cognition. She founded the company Little Heart Movement, in which dancers, actors, digital artists, engineers, computer scientists, singers, musicians, anthropologists, geographers, architects, psychologists and (bio) mechanics collaborate. In Paris as well as in India, she organizes interdisciplinary workshops where each actor is invited to improvise within a recording device, both as author and as an interpreter of the trace that it forms with its body within the common space of a collective framework narrative.

Urban Delta Scapes

Posted: June 6th, 2019 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge | No Comments »

Focused on motion design and specifically on motion capture and its use in sound activation and animation, the collaboration between Stereolux and CINETic is aimed at bringing together French and Romanian experts, artists and researchers in these fields, for exchange of expertise and possible creation of collaborative artistic products.
Occasioned by the Romania-France Cultural Season, our institutions come together to facilitate the mobility of information, expertise and, of course, people from intersectional fields that bring technology and the arts under the same sphere of creative enterprise.
Envisioned as a series of meetings, residencies and workshops, the collaboration will showcase the end-products of the work done within the Season in May 2019, during the Animation Worksheep Special Session that will be organized in Bucharest and hosted at CINETic, as the first institution of its kind focusing its activities, programs and research on the interaction between new technologies and the arts.

The French artist (Anne Dubos, choreographer and anthropologist) and a researcher from IAS Nantes, will give a talk to present the work of the community of international artists and researchers working on gesture and movement they contribute to create.

at CINETIC, 2nd of June 2019
Str Tudor Arghezi 3B, Sect 2, București

‘Urban Delta Scapes’ is a multimedia performance in which the sounds and images from the Văcărești Delta interact with live music, animated visuals and a choreographic act of gestures and movement.

The Delta is for us, an inspiration for a creative collective composed of motion graphic designers, musicians, dancers and researchers. It is also a way of narrating an absolute victory of the nature over the city.

MovA – the Movement Analysis Network

Posted: April 28th, 2019 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge | No Comments »



The Movement Analysis Network ‘movA’ is a a space for reflection about research in/about moving, gesture, bodies and culture. The members come from diverse backgrounds, that include art, science, design and scholarship about the body in action. Mainly focused on stage- and interaction-based movements for artistic and design development, the group discusses fundamental issues of knowledge production, methodology, and research strategy. As a think-tank rather than a research group, movA exists as a floating platform with varying participation, locations and working methods.


Analyising Movement Workshop 2017, Kienberg, Switzerland, 8. – 11. September 2017
This meeting was held as a retreat at the Kulturhaus Kienberg, in a small village in the Jura mountains near Basel. See also Gesture Design webpage :

Analyising Movement Workshop 2018, Paris, IRCAM, 26. – 27. March 2018 This meeting was held in the heart of Paris at IRCAM.

movA Workshop 2019, Nantes, Stereolux, 15./17. April 2019 This meeting will be held at Stereolux Art & Research Center in Nantes.

15-17 April 2019 at Stereolux Nantes
Organized by Anne Dubos, Little Heart Movement

The 2019 workshop will again be a meeting of a group of researchers and artists collaborating on the topic of movement analysis/interpretation using technological and conceptual approaches.

The venue Stereolux is hosting us in the “Laboratoire Arts et Technologies”
More information as it becomes available.

The LAB DAYS of the Movement Analysis Network
Les “lab-days” vont réunir un groupe de chercheurs et d’artistes internationaux autour de la question de l’analyse du mouvement en danse comme en musique. Comment archiver des techniques du corps, des partitions ou des chorégraphies ? Qu’apporte à l’art, le corps augmenté par la technologie ? Comment transmettre des créations à travers l’usage d’interfaces technologiques ?

L’objectif est d’explorer ensemble des concepts, des méthodes et d’évaluer comme générer de nouveaux outils pour des dispositifs transmédia.

Une nuit en MICRO
À la fin de ces trois jours d’exploration collective, MovA (Movement Analysis Network) offre au public nantais de se réunir en Micro pour assister à une nuit de conférences-performances.

Au programme:
- un concert de Benjamin M. (IRCAM, Paris),
– une expérimentation poétique visuelle et sonore, Jasch and Daniel Bisig (Suisse),
– une session de Live Coding, par Jules Françoise et Sarah Fdii-Alaoui :
– un dialogue entre divers chercheurs du groupe pour une explication du contexte général des pratiques, avec David Ritterhaus, Motion Bank,, Grigore Burloiu, Frédéric Bevilacqua et Anne Dubos.
- une performance dansée par la compagnie Little Heart Movement : des_gestes_augmentés
– un jeu collobaratif augmenté sonore par Michelle-Agnès Magalhaes :
& Frédéric Bevilaqua de l’Ircam :
#littleheartmovement #ICST #ZHdK #Motionbank #Mova #IRCAM

mots clés : danse, musique, mouvement, son, captation, machine learning.

Paléograph’ 2019

Posted: March 21st, 2019 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge | No Comments »

Description de l’œuvre

Nous sommes à la recherche de quelque chose de primitif, d’une mémoire antérieure à notre naissance, d’une évidence que chacun de nous porte en lui, d’un patrimoine qui vit et se transforme à travers les âges — les gestes des premiers hommes.

Anciennes de près de 30 000 ans, les peintures et gravures des grottes de Saulges disent quelque chose de notre humanité. Mais comment étaient-elles tracées, et quelle pouvait-être leur fonction ?

Aux frontières de la recherche entre arts, sciences et technologie, l’œuvre Paleograph’ invite à la découverte de l’art pariétal.

En 2019, l’œuvre propose une expérience de réalité virtuelle mettant en scène le corps du visiteur dans un espace où il n’est plus simple spectateur mais se trouve immergé dans un univers qu’il façonne à chacun de ses gestes.

En 2020, l’œuvre évolue pour proposer un écran interactif permettant au spectateur d’explorer de nouvelles scènes avec des représentations de l’art paléolithique aux œuvres contemporaines.

la chouette

Historique de l’œuvre

Paleograph’ est le fruit d’une recherche expérimentale, tant scientifique qu’artistique, menée par la compagnie Little Heart Movement depuis 2015.

Différentes disciplines s’y rencontrent : anthropologie, chorégraphie, graffiti, performance, ingénierie, arts numériques, photographie et musique.

La pièce prit tout d’abord la forme d’une recherche chorégraphique, Rock Art Rocks Me, sponsorisée par Stereolux et la ville de Nantes, avant d’être invitée au Centre Barbara Fleury Goutte d’Or à Paris, puis à la Haute École des Arts de Zurich (ZHdK).

Le processus itératif s’implante aujourd’hui au musée des Grottes de Saulges pour inviter le public à une rencontre sensorielle avec l’art pariétal.

La traduction de ces œuvres ancestrales par l’intermédiaire des arts numériques renouvelle la découverte des images et des gestes de nos ancêtres.

Immersive Lab ZHdK

Déroulé de l’expérience

Au moment où vous mettez le casque, vous vous retrouvez dans un espace vide, qui ressemble étrangement à la salle du musée où vous étiez tout à l’heure. Elle en a les mêmes proportions et pourtant, les fenêtres ont disparu.

Une main négative apparaît. Lorsque vous la touchez, vous pénétrez dans un autre espace, celui de la grotte.

Vous êtes à présent dans la grotte. Observez ses cavités, déplacez-vous et laissez-vous surprendre par ses sonorités.

Un écran s’offre à vous. Grâce aux gestes de vos mains, vous êtes invité à réaliser une grande fresque de peinture lumineuse.

Le toucher vous permet ensuite de faire apparaître des peintures. Un ours, un poisson, un mammouth, un cheval… Quelles seront les formes dissimulées que vos gestes feront apparaître ?

Une fois les formes animales découvertes, l’espace se transforme à nouveau. Au-dessus de votre tête, le ciel étoilé. Face à vous, un mobile à taille humaine. Son mouvement rappelle étrangement celui d’un manège. Le toucher de chaque cheval vous permet de composer un jeu musical.

La scène finit par disparaître pour vous ramener dans la salle initiale.

Détails sur l’installation

L’oeuvre Paléograph’ se compose de cinq éléments :

L’Effet Calder
Anne Dubos & Jasch
Mobile : impression 3D, tiges d’acier, fil de pêche, ventilateur USB.
Impression 3D à partir des relevés archéologiques de Romain Pigeaud (grottes de Saulges). Le mobile s’inspire de l’œuvre d’Alexander Calder.

Jasch & Anne Dubos
Paysages sonores : Enregistrements environnementaux, voix, instruments, composition multicanal.

D’après plusieurs collectes d’ambiances sonores locales (forêt de Mayenne, grotte Margaux, rives de l’Erve) les artistes ont conçu l’œuvre en résonance à l’expérience immersive. Les sons de Résonances répondent à ceux de Paléograph’

Compagnie Little Heart Movement
Installation pour casque de réalité virtuelle : HTC vive, leap motion, unity, max MSP, photographie, photogrammétrie, dessin, graphisme interactif.

#Traces 1, 2, 3
Vincent Dubos
Peinture : acrylique et bombe aérosol sur toile. 260 cm X 200 cm, 250 cm x 200 cm, 250 cm x 200 cm.

The Mirror of Gesture
Compagnie Little Heart Movement
Vidéo : écran TFT, raspberrypi
Vincent est artiste peintre. Depuis près de 30 ans, il pratique l’art du graffiti. Il a été invité au sein de l’installation Paléograph’ à réaliser une performance plastique, documentée et restituée sous forme de vidéo. Telle une manifestation contemporaine de l’art pariétal, The Mirror of Gesture permet d’envisager le geste de peinture comme un art vivant.

Paléograph’ – 2019
une installation immersive de la compagnie Little Heart Movement
* Œuvre de commande pour le musée de Préhistoire & Grottes de Saulges,
équipement patrimonial de la Communauté de Communes des Coëvrons, avec le soutien de la région des Pays de la Loire.


Artiste auteur : Anne Dubos
Images virtuelles et technologie : Anne Dubos & Jasch
Musique : Jasch & Anne Dubos
Peinture : Vincent Dubos
Lumière : Emmanuel Valette
Scénographie : Floriane Pic
Code et développement logiciel : Jasch & Lisa Izzouzi
Direction artistique : Anne Dubos
Direction technique : Jan Schacher
Conseil : Yves Labbas & Walter Paice
Relevés Archéologiques : L’Abbé Breuil & Romain Pigeaud
Photogrammétrie : Hervé Paitier, Passé Simple, Anagram
Remerciements du cœur : Judith Guez, Jean-François Jégo, Naun, Martin Lambert, Boris Letessier, toute l’équipe Rock Art Rocks Me et la ville de Nantes.
Production : Little Heart Movement

Des Gestes Augmentés

Posted: April 26th, 2018 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge, PERFORMANCE — théories et pratiques | No Comments »

Certains algorithmes permettent la prédiction et la transformation de pratiques de tous types (conduite automobile, traffic usager, achat en ligne). L’usage des technologie permet également d’observer l’évolution de pratiques sous forme de motifs (au sens de patterns : Bateson, 1983).
Tandis que les appareils mobiles intègrent aujourd’hui de puissantes capacités de détection de mouvement (accéléromètres, gyroscope, boussoles), de plus larges spectres d’utilisations que ceux proposés et programmés par l’industrie (Prévieux, 2006) pourraient être imaginés, conçus et mis en œuvre.
L’objectif des gestes augmentés est de repousser les limites de la réflexion actuelle sur la technologie informatique des objets connectés, des smartphones au ‘cloud computing’. Cela comprend l’expérimentation de divers types d’interactions homme-machine et la conception de nouveaux gestes et mouvements (Dubos et al., 2017).
Composé d’ateliers de recherche expérimentale, fondé sur une pratique trans-disciplinaire, le projet regroupe plusieurs partenaires dont : Hortense Kack, danseuse de la compagnie Little Heart Movement, Frédéric Bevilacqua, directeur de l’ISMM de l’IRCAM à Paris et Jan Schacher chercheur à la Haute Ecole des Arts de Zurich.
Lors de ma présentation au CRESSON, le 3 Mai prochain, je vais aborder deux notions : celle soundscape (Schafer, 1969) et celle de performance augmentée. Comment imaginer « jouer » des soundscapes à partir de la technologie mobile ? ou comment les dispositifs technologiques envisagés à l’échelle urbaine peuvent-ils donner accès à de nouveaux types d’espaces re-médiés (Schnell, 2013)
Pour ce qui est de la relation à l’anthropologie des techniques du corps (Mauss, 1934), il s’agit de chercher une manière de se jouer (Hamayon, 2012) de la technologie ; la génération de nouveaux gestes permettant de découvrir les dispositifs, à loeuvre dans larchitecture des corps et des espaces contemporains (Agamben, 2007).

Hortense Kack, Little Heart Movement, Des Gestes Augmentés - 2018 - Crédit photo : Emmanuel Valette

Hortense Kack, Little Heart Movement, Des Gestes Augmentés - 2018 Crédit photo : Emmanuel Valette

Soundfield - Jan Schacher & Anne Dubos - 2018

LEMO.N – Learning by Moving

Posted: April 12th, 2018 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge | No Comments »


The goal of LEMO.N (learning by moving network) is to build shared interdisciplinary knowledge on body movement and its interaction with various technologies. From a series of workshops performed in collaboration with CRI, it will challenge the limits of the current thinking on gesture design and computer technology for smart objects.This knowledge will be gathered on the form of a website, and possible future resources, that will be useful for CRI researchers and students and to foster future collaborations and events (such as workshops, gamejams, lab-days, hackathons, etc). LEMO.N’s aim is to experiment with various types of human-machine interactions and to design new kinds of gestures for digital apparatus, from smartphones to cloud computing.


While mobile devices now incorporate powerful motion detection capabilities (accelerometers, gyroscopes, compasses), a broader spectrum of uses than those proposed and programmed by tech-industries could be imagined, designed and implemented (Dubos et al., 2017).Since the past two years, I have been working on the question of gesture design and augmented gestures in a large networks (CRI / IRCAM / ENSCI-Les Ateliers / IIT Bombay / Maker’s Asylum Bombay).Shared methodologies for designing and sharing gestures are generally lacking, because this requires a transdisciplinary approach. To collect and assemble a database on learning by moving and gesture design will enable new models of thinking, teaching and researching. Hypothesis The anthropology of gesture and the analysis of body techniques provides us with a strong basis for conceiving augmented gestures. But how to generate new kinds of collective knowledge augmented by technology ? And how to generate new gestures, discover new fittings for smart devices ? My research question looks for a way to document research on learning by moving.


The aim of the LEMO.N project is to edit, label and implement resources in order to create an open repository of materials for interdisciplinary research.It will be articulated in 4 phases:1. Analyzing existing material gathered during recent workshops,2. Design indexes and mind maps,3. design a website for multimedia resources,4. Disseminate the gathered information through articles and workshops and lab-days. Impact LEMO.N will bring together people working in various disciplines and research activities. It will enhance the emerging scientific field on movement and computing. It will further expand it, linking it with various fields such as education, pedagogy, health care and wellbeing, as well as  human and social sciences.It will provide a common resource platform for researchers, designers, engineers and students who would need to develop projects on movements, such as gesture-based interactive systems.By focusing on possible differences in cultures and contexts, LEMO.N might affect the appropriation of shared gestural interaction paradigms. A website will document all the workshops, technologies, improvements, contributions and possibilities done in gesture design. Two publications are planned. New research and pedagogical projects will profit from these resources. This growing network will impact both: researchers and students in this new field.


learning, transdisciplinarity, technology, innovation, education

LEMO.N on Youtube :

La Gestothèque

Posted: March 7th, 2018 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge | No Comments »


Les archives du geste interrogent autant les techniques du corps que l’usage des technologies.Elles tendent à démontrer que les gestes ne sont pas de l’ordre du langage. De la trace des mains négatives sur la paroi des grottes ornées à la technique gestuelle des théâtres indiens, jusqu’aux usages de la technologie mobile, la question de l’enregistrement du geste et de sa passation sera ici explorée : qu’est-ce qu’un geste ? Et comment le connaître, le décrire ou le définir ?

Situé à la jonction de l’apparition du phénomène, de la mémoire, de la connaissance et de l’image, le geste est témoin d’une intention. Ma recherche tend à formaliser la vie des gestes. À travers le projet de La Gestothèque, je me propose d’étudier la notion de dispositif comme cadre conceptuel de la recherche, au sein d’un espace-temps que je nomme « tiers gestural ».

La Gestothèque est avant tout un outil conceptuel. Son élaboration correspond à la volonté de cartographier un domaine en émergence, qui s’étend de l’analyse des techniques du corps à leur pratique, par un panel d’experts variants de danseurs, chanteurs, compositeurs, physiciens, anthropologues, ethnologues, sociologues, technologues, ingénieurs, biomécaniciens, etc.

Elle se compoe de plusieurs branches d’activités :
- un cours, donné à l’ENSCI-Les ateliers, dans le cadre du dispositif Phénorama
- un séminaire de recherche :
- des journées d’études : “Les journées du geste” dont deux éditions ont déjà été reçues à Stereolux, à Nantes
En 2017 :
En 2014 :
- un MOOC (Massive Open Online Course), produit par la Mooc Factory, du CRI
- un cours, dans le Master AIMove, aux Mines Paris-Tech :
- des résidences de recherche, accompagnées par Le Labo de Stereolux, l’INREV de l’Université de Paris 8, ou l’IRCAM

Ce travail s’accompagne également de l’enregistrement de catalogue de gestes techniques sous plusieurs formes et supports (motion capture, tracking, photographie, croquis, vidéo, etc.).

Les Mains Négatives

Posted: January 8th, 2018 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge | Comments Off

“Toi, qui as un nom,
toi qui es doué d’identité,
je t’aime d’un amour indéfini.

Depuis 30 000 ans,je crie,
devant la mer, le spectre blanc.

Je suis celui qui criait qu’il t’aimait, toi.”

Marguerite Duras, 1978.

Les mains négatives apparaissent sur les parois des grottes préhistoriques, elles sont vivantes dans la culture aborigène et figurent également de manière transposée dans les graffitis et les arts numériques.

Dans l’espace médiatique interactif de l’Immersive Lab(ZHdK :, le geste de peinture est réinterprété telle une expérience vive. Le visiteur est invité à vivre une expérience de peinture synthétique.

Telle une iconologie fluide, écho à la méthode de l’Atlas Mnémosyne d’Aby Warburg, les actions exploratoires des artistes-chercheurs comme du public engendrent une re-médiation du statut comme des matières de l’archive.

Dans un processus cyclique d’investigation, d’interprétation et de construction, les différents matériaux migrent entre le numérique et le physique. Comment un dispositif technologique peut-il manifester la performance d’un geste vieux de 40 000 ans à travers un processus iconologique?

La configuration interactive et immersive du dispositif permet une nouvelle mise en matière des objets archivés.
Générant la fluidité entre les matériaux et les interactions homme-machine permettent à des structures complexes de devenir visibles et accessibles.

Cette mise en œuvre génère un objet artistique dont la base première est la production de connaissances à travers l’expérience.

Les Mains Negatives

Anne Dubos & Jasch, Immersive Lab, ZHdK, Zurich.

Les Mains Negatives

The Negative Hands

The exploratory research project ‘Les Mains Négatives’ serves as an experimental apparatus for observation and analysis of gestures in relation to a poetic agency made out of images and sounds. It thus becomes both a carrier and a witness to the traces of a cosmography.

The negative hands appear on prehistoric cave-walls, they are alive in aboriginal culture, and also figure in a transposed manner in graffiti and digital arts. Within the interactive media-space of the Immersive Lab the painting gesture is re-performed as a living experience. Visitors are exposed to an archive, which is manifested in the digital forms of a fluid iconology. The apparatus enables complex structures to become visible and accessible to the interpretation through gesture interaction.

As an echo to Aby Warburg’s ‘Mnemosyne’, the exploratory actions of the artist-researchers and the public, engender a re-mediation of the archives. In a cyclical process of investigation, interpretation, and construction, the various materials migrate between the digital and the physical bodies. How can a technological apparatus manifest the performance of a gesture that is 40’000 years old, through an iconological process?

Within the interactive and immersive configuration of the apparatus, the ontological state of the archives is augmented with an altered epistemic plane. The materiality of the archived objects, as well as the fluidity provided by the interactions contribute to the performance of meaning. This ‘mise-en-oeuvre’ generates an artistic object, whose primary basis is knowledge production through aesthetic experience.

Two artists in dialogue

1. How do we work ?

A: It is about a work in process together and it is a conversation between art and media and science and methodology and tools…

J: Layers…

A: And the question is « what does it mean to be human ? »I am an anthropologist (technically speaking) because it is a training, but I am also an artist working with visual arts, and I met Jan

J: at MOCO last year (in 2016). And she was showing a piece she was working on with rock art painting, with cave paintings and I was very intrigued about the kind of memory space that opens…

A: I was showing a work about I called Rock Art Rocks Me. This project questions the archive. How to bring movement to the archive ? In a Museum for example, when you visit a rock art museum  rock art paintings are exhibited, you actually see paintings, but where is the movement ? The cave is not a painting museum. The painting is made out of a gesture and the gesture is made out of a painting. And moreover, the painting is an environment art practice : is also linked to the soundscape of the cave.

The painting is also linked to the body of the people, through skin painting techniques. And we and know how Aborigenal people, in Australia, used to paint their own bodies.

Talking with specialists, I discovered they actually share their dreams through the painting. And the painting expresses a pattern, the movement of the universe. The painting is a dance, it is a song. And the ritual is an expression of sharing. The paintings are traces for these rituals.

I began the Rock Art project watching a book about the Chauvet’s Cave. It is incredible to see the density of a painting which is 36 000 years old.

If one looks at the satellites today, they are 36 000 km away. This project is just searching in the space in between the time of history and the time of new technology to come.

In that terms I am questionning the techno digital tools and their use. From cave painting techniques in the caves to immersive apparatus (also called caves).

J: We were really exploring the ideas about how to bring the cave into this, and it was really about an exploration, not about a piece. We, of course, have to cut it down into pieces manageable to put in the box. So we shared lots of ideas and then we made modules. We made 7 modules.

A: We will show you 6 of them ; one is still something like an idea ; we need to explore it before we show it, even if I think it is one of the most interesting … The principal idea to collect images and sounds and generate atmospheres. This piece is all about modularity and possible interaction with our environments : how your movement in space will provide sorts of answers. And for example, the combination of the poeple, in the space give you another access to another module. So the piece is in itself, a non-achievement. It is always singular, depending the the public movement, actions and interactions.

We daily worked on the description of the process and I can show you here one pattern we imagined for a possible path through the different modules. There may be different ways of passing through the modules, from sound listening to touching the screen, the perceptive space is commited to en exploratory space.

2. In the immersive Space

A: Our idea was to layer things, and play on the various apparitions of figures. We question how to look at things and for the first scene, we wanted to start with the observation of some very fine details of the stone.

There is an hypothesis saying that rock art painters used to work with the surface of the stone to trace some animal figures. Looking at the wall, on the first scene, I could see appearing a turtle face ; What I tried to express is that, we are just facing our own mindsets. We project our realities. Our thoughts make our environments.

The digital apparatus allows to exemplify it : for example, when you touch the wall, your hand can actually make the wall move, all around you. So the idea of the interaction would be moving it around ; and underneath you discover the green wall, which is a graffiti wall. So the first texture of the wall becomes such as a curtains:  it goes and let you get into another space, which is another kind of a mountain ; another kind of a wall.

And here the sound of water let us experience the feeling of gravity ; the falling of the water, the fall of the painting and the texture on the frame. We plan to code drippings dots, as a gesture of painting, while touching the screen. Then the atmosphere changes again ; in color. It becomes blue ; here you hear the same sounds but still the same sounds.

D: That sounds like your voices ?

A: Yes. They are.

3. About hands and their movements

About the hands here, it is a reference to rock art painting. When you travel into a painted cave, the first thing you see is a hand print, on the wall of the cave.The hand warns you that you are entering in a new space. It is a space where you see and hear something. Where you receive something .

These hands we chose come from the Archives of Aby Warburg’s, a famous art historian, researching the relationship between images and gestures. He went to visit the Hopi Indians, on the Mesa, just like the anthropologists at the end of the 19th Century.

There he took some famous photographs, and documented the traditional snake dance. In the Hopi Indian tradition, there is a moment of the year when the snake dance happens as a community ritual. Some desert snakes are carried in the mouth by the snake dancers and then, released to the desert, for the be the messengers, to bring the communitiy wishes to the Gods. Warburg described the snake dance, nowadays disappeared.

The hands here are to be seen as an identity sign of our humanity. They are talking about borders and migration. The visitor can migrate the hands from one side to the other of the screen.

And the movement of the hands, on the screen, later take you to a changing space. One can start travelling with the hands, as they are following the movement of the visitor.

Moving the hands leads you to another space ; another denkraum. Entering to that module of the installation, leads you to paint yourself. The interaction allows you to create sound and paint.

J: And then, because we play with the cave memory and your action, so here we are in the cave again. So when all the animals are here, you get to go to the next level

A: and here we have different time patterns of lightening. For now we are using images of Aborigenal paintings. I would not like to keep them in the final version of the installation, I would like to be inspired by them and create our new paintings to come in a discussion with the aborigenal ones.

I want to exchange these paintings to instaure a link, historically in rock art.

4. On sounds and voices

A: About the sound in the cave, there is a study lead by Iegor Reznikoff that shows that most of the paintings are traced on the most resonating walls of the cave. And finally we are reaching to the last scene where we have a collection of hands.

There is a tradition of martial art in South India named kalarippayattu. The guru, the master, gives vaicari (orders) to his student and one of the voice command is : « look at the other in front of you ». But at this precise moment of the training, there is no one in front of the apprentice; he simply keeps his palm in front of his face.

I questionned my master in Trivandrum (Kerala), about this fact, and he explained me that the palm is the mirror : the mirror of the soul. So that the guru’s order means : « look at yourself in the mirror of your hand ». It thing here it is interesting to look at the immersive space, as an experimental mirror for the gesture, eyes and hands.

Les Mains Négatives at NIFF 2019 :

À propos du geste technique et du geste augmenté

Posted: October 8th, 2017 | Author: A.D. | Filed under: INTERVIEWS — la parole donnée | No Comments »

Elia Nectoux et Anne Dubos — Entretien

E.N. : Pour commencer, pouvez-vous vous présenter et présenter votre recherche, les dispositifs que vous utilisez et les collaborateurs qui vous accompagnent ?

A.D. : Je travaille de manière transdisciplinaire. C’est une chose dont on parle beaucoup en France, mais qu’on fait assez rarement. Je suis anthropologue de formation et j’ai soutenu ma thèse de doctorat à l’EHESS en 2013, au Centre d’Études de l’Inde et de l’Asie du Sud. Ma recherche portait alors sur les techniques du corps traditionnel. J’ai longtemps travaillé en Inde du Sud, notamment sur la question du théâtre rituel, en vue de comprendre comment les politiques culturelles de patrimonialisation transformaient la pratique du geste. J’ai cherché à savoir comment le théâtre est devenu contemporain alors qu’on tâchait justement de patrimonialiser le geste des théâtres classique.

Historiquement, cela s’explique avec le passage en Inde de Jerzy Grotowski, à la recherche des techniques d’entraînement pour acteurs, à une époque où il était responsable du programme du « Théâtre des Sources » pour l’UNESCO. Jerzy Grotowski est l’un des grands réformateurs du théâtre du XXème siècle. Il a formé et forgé les premières théories des Performance Studies, portées aux États-Unis par Richard Schechner et Phillip Zarrilli.

Schechner est l’un des pères fondateurs du département NYU Tisch School of the Arts de New York. Avec lui se portait un nouveau regard sur les études théâtrales, dont la « théorie de la performance ». A sa suite, Phillip Zarrilli s’est installé 12 années au Kérala pour apprendre les techniques de jeu des théâtres classiques.

Ainsi, c’est sans doute à l’Inde que l’on doit les premières ébauches de théories sur la performance. C’est pour cette raison que je suis partie travailler en Inde, à la recherche du « Théâtre des Sources » de Grotowski. À mon attrait  pour le théâtre, la scénographie et de la photographie s’est ajouté mon intérêt  pour le corps en mouvement : l’entraînement et les techniques du corps de l’acteur.

La lecture de Marcel Mauss, lors de mes premières années d’études, m’avait fascinée. Le fait que son travail n’ait jamais été suivi ni repris après lui me donnait l’impression d’un champ de recherche et d’investigation encore possible. Tandis qu’on parle de « techniques » pour fabriquer des objets, Mauss considère que le corps est un instrument. Un instrument que l’on peut entraîner; dont les sens peuvent être aiguisés. C’est ce qui m’a encouragée au travail d’enquête ethnographique sur les techniques de jeux.

Je crois également qu’être issue d’une famille de médecins m’a donné un certain regard sur le corps, sur sa capacité de mouvement. Petite, mon père m’a appris à regarder les gens marcher, à observer ce qu’on peut savoir d’eux à partir du déplacement de leur poids, de leur fréquence motrice. Enfant j’étais plongée dans une approche biologique de l’observation. Je me suis donc intéressée au théâtre en Inde et au geste dans les théâtres classiques comme on fait de la morphogénèse.

En Inde, au Kérala surtout, le corps est organisée en plusieurs zones signifiantes combinées que sont les mains, le visage, et le corps (la posture). L’esthétique indienne recense : 108 postures du corps (les karana), 42 mudra, (les gestes des mains) et 9 expressions de visage (les navarasa). Toutes se combinent et se déclinent en variations modulées, pour composer des ensembles complexes, tant à comprendre qu’à modéliser, apprendre, retenir, re-jouer, etc.

Au cours de ma thèse j’ai cherché à représenter le système esthétique indien tel un système de communication. Et j’insiste sur ce point qui est aujourd’hui, selon moi, fondamental : les techniques du corps classiques sont des trésors de complexité. Or, il semble qu’elles sont en train de se perdre au profit d’une certaine difficulté technologique.

Ainsi j’ai cherché à tracer une phylogénétique des techniques du corps et des pratiques de jeux au Kérala ; cherchant d’ailleurs à valoriser les techniques du corps populaire, dont il est difficile d’articuler la connaissance tant elles sont encore rarement documentées.

Tout au long de mon travail de thèse, j’ai essayé de comprendre comment, d’un type de théâtre à l’autre, la forme du corps et des postures varient. J’ai tenté de suivre la circulation de la vie des gestes.

Évidemment, la question s’est très vite posée de la documentation de ces banques de gestes, de leur inscription. Un geste a-t-il seulement un début ou une fin ? Il va de soi que la forme d’un geste varie selon son articulation à un autre.

Je me suis alors demandé comment enregistrer le geste. J’ai commencé à faire des croquis, des photographies, des vidéos. Ce n’était jamais assez précis et finalement ce que je voulais c’était faire de la modélisation mais je ne le savais pas encore. Les sciences humaines sont souvent aveugles aux dessins techniques.

Lorsque je suis rentrée en Europe, j’ai commencé à lire des traités de cybernétique. J’ai travaillé sur la théorie des jeux et puis j’ai rencontré des cybernéticiens.

Plus tard, j’ai rencontré Pierre Gufflet, digital artist, concepteur de « robots performers ». Ensemble nous avons conçu un premier dispositif pour des pièces transmédia entre arts numériques et performance.

Pour revenir à la question de spécificité disciplinaire, en tant qu’artiste, j’ai toujours été quelqu’un qui écrivait, qui faisait des images : photographies, vidéo, collages. J’ai du mal à me placer au sein d’un seul corps disciplinaire. Je m’inscris, je crois, dans ce que l’on nomme le courant « transmédia ». J’aime cette notion de « trans » , qui passe à travers les frontières, à travers les mondes.

E.N. : Dans les métiers de la création, on évolue dans une omniprésence des technologies et finalement on oublie de manipuler d’autres médiums. Vous, vous avez l’expérience des deux ?

A.D. : En fait, je me sers très peu de la technologie, je demande aux personnes compétentes de programmer pour moi car je ne sais pas coder. Mon premier matériau est la lumière, le second le mouvement. Le mouvement de la matière, des corps qui bougent.

Ensuite j’écris tout sur papier. J’ai toujours avec moi un carnet, une trousse avec des petits objets, des diapositives, des morceaux de papier, de magazines, des autocollants… L’écriture part d’une inscription de forme, de schéma, de cartes, qui peuvent devenir des projets incroyablement riches par la suite. Je gribouille des dessins et après je demande à quelqu’un, souvent un autre artiste, de m’aider à réaliser mon idée… Quand je parle d’une idée à Emmanuel Vallette, éclairagiste, il me répond par la notion de température de couleur… Quand je discute avec Arnaud Vernet, chanteur, on réfléchit à une solution d’entrainement, de technique vocale pour les acteurs. Si j’échange avec d’autres artistes numériques comme Jean-François Jégo ou Judith Guez et que je leur dis : « Je voudrais qu’on fasse ça ! », à chaque fois ils m’aident à trouver la solution.

Une autre manière de procéder est de regarder les applications qui existent, ce qui a déjà été développé en matière de technologie et d’en faire un usage détourné. C’est ce que j’ai fait dans le cadre du dernier workshop avec Norbert Schnell de l’IRCAM. Je lui ai demandé plus tard, après une phase d’expérimentation, s’il était possible de « réaménager » l’application pour en faire ceci ou cela.

Je dois avouer que je n’aime pas tellement la lumière des écrans. J’utilise la technologie comme un instrument, c’est un outil d’écriture, voilà tout. Je ne prends jamais autant de plaisir qu’à tracer des lignes avec un crayon. J’écris mes pièces de théâtre par observation. Les projets se font souvent par rencontres : je rencontre quelqu’un et au début de l’histoire il y a un petit éclair de lumière, un petit coup de foudre. On se reconnaît. Émergent ensuite des passions communes et alors on écrit quelque chose ensemble. Il peut s’agir de marionnettes d’ombre, de performance, de photographie, de cinéma. J’ai même parfois travaillé avec des artistes issus de l’univers de la musique contemporaine. La pièce est une négociation d’espaces, une discussion.

E.N. : Pourquoi avez-vous choisi de faire se rencontrer corps humains et corps technologiques ? Quelles qualités trouvez-vous à ces dispositifs ? À cette rencontre hybride ?

A.D. : Il y avait un premier dispositif que j’ai développé avec Pierre Gufflet. Pierre avait commencé un travail sur l’écrit et la trace du corps. De mon côté, je voulais pouvoir « écrire avec le corps ». J’imaginais que si l’on imprimait, ou s’il y avait une persistance rétinienne de tous les mouvements du corps de chacun, il y aurait des traces de mouvement de corps partout dans l’espace public.

Comme que je voulais les voir apparaître, je lui ai demandé de fabriquer un outil pour tracer des gestes.

On est alors allés faire de la motion capture dans un laboratoire de recherche de Paris 8, puis on a utilisé tous les points de capture pour en faire des « mines de crayon ». Je voulais que chaque point de capture puisse tracer un trait, dont on pourrait ensuite faire varier la couleur ou la texture.

Lorsqu’on observe l’objet aujourd’hui développé, l’écriture se trace simultanément à la performance. Le résultat est très impressionnant, la rencontre cinétique entre la performance d’une danseuse sur scène et la projection du tracé de son mouvement sur un écran de fond scène. C’est un très bel objet, qui nous permet de voyager à travers la forme du geste.

Ensuite, j’ai demandé à Jean-François Jégo et Judith Guez, de l’I.N.R.E.V. (un laboratoire de Paris 8), de générer un avatar « à particules ». L’idée était que le geste soit une trace discontinue, pour faire référence à la théorie du mathématicien René Thom. Thom parle de particules discrètes pour dire que l’univers est continu. Selon lui, du continu au discontinu il n’y a que des particules fines qu’on ne peut percevoir.

On a donc travaillé avec cet avatar à particules, qui nous permettait de générer des espaces continus de mouvement, là où l’on pourrait croire qu’il y a des ruptures entre les choses.

C’est un dispositif assez simple avec une kinect. Ce qu’il a été intéressant de développer ici, c’est le changement d’échelle. Au lieu d’être un avatar à l’échelle 1/1, nous avons projeté l’avatar sur toute la taille du cyclo (l’écran de fond de scène). Étrangement là j’ai eu l’impression de faire un immense pas théorique où le geste de la danseuse se faisait paysage. Je me trouvais au cœur de la théorie de la cosmophanie d’Augustin Berque.

E. N. : Lors de la 2ème séance du séminaire Indian Gestothèque que vous avez organisée à l’ENSCI, Annette Leday, danseuse de Kathakali, trouvait une limite très nette aux technologies. Pour elle on ne peut réussir à retranscrire l’essence des gestes via l’enregistrement numérique. C’est en donnant une autre qualité, disons plastique, au geste, que vous trouvez une  pertinence à cette rencontre entre corps humain et corps technologique ?

A.D. : Oui, je travaille sur la lumière, sur la couleur, sur la finesse du trait, sur le temps d’animation aussi. Dans l’image de synthèse, on peut par exemple ralentir ou arrêter le temps d’animation, ce qui permet de générer du délai dans le rendu de l’image.

Samuel Bianchini (de l’ENSAD-Lab), parle du « défaut qu’il faut » ; du défaut nécessaire pour donner un effet vivant à l’interaction avec la machine. Samuel Bianchini a réalisé des installations interactives, avec la contrainte du temps réel et du délai entre la machine et le geste humain. À cause d’une série de capteurs dont le débit informatique était trop lent, son installation présentait un temps de délai. Il dit que c’est en cela que le public y trouvait son compte. Selon lui, le défaut permet d’humaniser la machine.

Dans la pièce « Danse pour un avatar », j’ai joué avec cet effet (de délai) en régie. Parfois j’arrêtais le temps d’animation de l’image numérique. Marta, alors sur scène, croyait à une « erreur » de calcul de la machine.

C’était précisément là le lieu d’émergence le plus intéressant de cette rencontre entre danse et technologie : le moment où Marta entrait dans la formulation d’un geste erratique. C’est précisément là qu’il y avait un jeu de synergie entre la machine et elle.

Entre arts numériques et performance, il y a toujours une espèce de jeu à l’aveugle. Quand je travaille avec Pierre, il se doit d’être très concentré sur la fabrication de son image sur l’écran de son ordinateur. Il ne voit pas vraiment ce qui se passe sur scène. C’est donc moi qui dirige une grande part de l’articulation de son travail à celui de la danseuse.

Côté scène, je suggère à Marta à partir de quel type de geste travailler, l’enjeu étant de les faire « jouer ensemble ». Cependant dans un tel dispositif ni l’un ni l’autre n’a de recul sur l’image globale. Ils jouent ensemble à l’aveugle. C’est donc un jeu de confiance.

Et ce qui est très compliqué ici, c’est que le temps de la machine n’est pas le temps de l’humain. Le temps qu’on programme toute la technologie autour d’un geste, il y a deux jours de programmation. Pour jouer « en temps réels », il faudrait trois développeurs pour un danseur.

La technologie a besoin d’un temps long et souvent, elle ne fonctionne pas. Or, bizarrement on pense souvent que les robots vont remplacer les humains alors qu’il faudrait compter trois développeurs pour un simple robot.

E. N. : La danseuse avec qui vous avez travaillé sur ce projet, que pense t-elle de cette rencontre ? Cela a t-il influencé sa pratique ? Son sentiment et son expression du geste ?

La première danseuse avec qui j’ai travaillé, Marta Rosa, est portugaise et vit en Allemagne. Je l’ai rencontré au pays de Galles puis on est allées ensuite ensemble en Inde. On s’est retrouvées autour de la pratique de  l’art martial du Kérala, le Kalarippayatt.

On a passé un long moment à pratiquer les arts martiaux ensemble et j’ai écrit cette pièce parce que j’avais envie qu’on essaie quelque chose avec la technologie, de l’ordre d’une révolte contre le temps des machines qui semblent dévorer quelque chose de l’humanité. J’ai parfois l’impression que le temps passé sur les écrans est du temps perdu.

Malgré le fait qu’elle fasse des choses magnifiques, Marta a perçu ce temps de travail comme une contrainte extrême. Alors qu’elle était enthousiaste au départ, l’expérience ne lui a pas vraiment plu.

Je retrouve en cela ce que dit Annette Leday : « Il faut être humain et il faut vivre ensemble ; la technologie nous sépare ! ». C’est un discours que l’on retrouve largement chez les activistes du Kérala. Après notre atelier Marta est d’ailleurs retournée en Inde.

Dernièrement je travaille avec une autre danseuse, Hortense Kack, qui a notamment travaillé avec Julien Prévieux. Hortense est très intéressée par les technologies numériques et l’empreinte du geste. On s’amuse beaucoup avec toutes sortes de configurations de dispositifs.

Aujourd’hui j’écris une nouvelle pièce, qui se passe au sein de la grotte Chauvet : « Rock Art Rocks Me ». Je ne sais pas encore ce que cela va donner, mais j’imagine quelque chose d’abstrait entre dessin et lumière. Je pars de cinq hypothèses de recherche. Je reprends notamment la théorie de Jean Clottes, sur le chamanisme. Mon hypothèse principale, qui est le premier liant du scénario, est qu’il y aurait un chamane dans la grotte, que la peinture est une cure.

Aussi j’ai demandé à Jean-François Jégo de programmer un système de peinture digitale en temps réel. Je voudrais également travailler à partir de body percussions ou de beat-boxing. On va essayer de jouer sur cette double ambiance des extrémités entre le numérique et la grotte Chauvet. L’enjeu est ici de questionner notre humanité, à travers des gestes premiers, du corps comme premier instrument, et l’usage de la technologie.

De – 36 000 ans à 2016 : je me demande sincèrement si avec la technologie on n’est pas simplement en train de rejouer l’allégorie de la caverne ; quand on pense qu’une salle d’immersion s’appelle CAVE en anglais… Est-ce que la réalité virtuelle n’est pas un simple partage des images des rêves ?

D’ailleurs, les cultures traditionnelles parlent de « dreamscape » des « dreamtime »… Souvent on entend les personnes en Inde dire qu’elles lisent dans les esprits, dans les pensées. La culture chamanique est celle du voyage entre les mondes… Ainsi, pourquoi ne pas voir les nouvelles technologies comme une nouvelle entreprise chamanique ? Voici ce que questionne la pièce.

Sur scène, il y a plusieurs couches de signes : entre rêve, réalité, ombres, images numériques, performance, ambiance sonore et réalité virtuelle que je voudrais mettre en relation.

Je veux également parler de l’usage de la technologie en tant qu’objet, de tous ces matériaux qu’on va chercher pour la construire, des métaux rares, qu’on fait extraire par des enfants : c’est un scandale qu’on semble oublier trop souvent. D’où vient la matière première ? Comment est-elle traitée ? Qu’est-ce qu’on en fait ? Dans quel but ? Est-ce qu’on a vraiment besoin de toute cette technologie pour vivre heureux ?

E. N. : Avec le geste on est en plein dedans. Justement, pour faire un geste, nous n’avons a priori besoin de rien…

Exactement. Et c’est justement là que se situe mon travail.

E.N. : Finalement au contact des technologies vous re-questionnez nos usages des technologies ?

A.D. : Disons que je les utilise mais que je les détourne souvent. Je travaille avec des artistes, comme Pierre, qui détournent les techniques utilisées par l’armée pour faire de l’art, de la performance ou des spectacles.

J’ai par exemple travaillé avec des drones sur un tournage en Inde. Et je dois dire que j’ai détesté cette expérience. J’ai eu la l’impression qu’on attaquait les gens des quartiers pauvres alors qu’on ne faisait que les filmer. C’est violent comme mode de captation, la go-pro sur drone. Dans un tel contexte, le dispositif ne fait qu’asseoir la domination occidentale. J’ai même voulu quitter le tournage. Finalement, le réalisateur a décidé de ne pas diffuser les images.

Voilà le monstre qui sommeille sous la technologie selon moi : l’instrument de domination. En tant que photographe, à chaque fois lorsqu’il s’agit de faire le portrait de quelqu’un, je cherche d’abord un  accord sur un territoire commun, c’est à dire : « Est-ce que je peux prendre ton image ? Est-ce qu’on peut la construire ensemble ? » Je le demande, puis je prends la photo, je montre la photo. « Est-ce que tu es contente ? Non ? On recommence ». Je trouve que le portrait n’est jamais réussi que lorsque chacun est satisfait du résultat.

L’image pour moi, est un territoire de partage de sens. Là où on a défini un territoire commun, qui serait un instant libre et consensuel. Mais si je viens prendre une image sans la demander, c’est faire acte de violence. Il est important de savoir garder les cadres déontologiques, surtout à une époque où l’on creuse tant d’écart entre riches et pauvres.

Il faut aussi en tant qu’artiste savoir se positionner comme garde-fous, pas forcément donner des limites, mais peut-être générer des territoires de jeu, des territoires de rêve, des territoires de liberté… En se demandant toujours dans quel monde on a envie d’élever les enfants à venir.

Pour en revenir à la question de la technologie et de ses usages je crois qu’on doit avant tout se demander à quoi bon. Je suis d’avis qu’on travaille dans le sens de son développement, de manière éclairée.

E.N. : Une question élémentaire est de savoir si on sait faire avec les technologies ? N’aurions-nous pas besoin d’une éducation dans l’usage des technologies, pour mieux les comprendre et les utiliser ? Par sa dimension intuitive, on prend la technologie et on l’utilise mais on ne mesure pas sa portée.

A.D. : Sans doute. C’est ce qui m’a étonnée à mon arrivée à l’ENSCI. Il semble que les élèves fabriquent des objets sans avoir pris conscience d’où viennent les matériaux pour les fabriquer ni où cela termine…

E.N. : J’ai l’impression qu’il y a de moins en moins de projet, on choisit d’abord un médium, un but. La technologie semble être devenue une fin en soi. Et on oublie que c’est juste une technique, un médium d’expression pour arriver à quelque chose. Il y a quelque chose qui est devenu de nature automatique, systématique.

A.D. : C’est vrai. Je crois que l’usage du smart-phone rend la technologie systématique. J’ai perdu un téléphone et pendant un mois et demi, j’ai décidé de tout reprendre à la main, sur papier. Je voulais me souvenir de la difficulté de la trace. Ce qui m’a finalement donné la liberté d’évoluer dans un environnement qui n’était pas dessiné à l’avance, par d’autres pour moi. J’ai eu le loisir de redessiner mon environnement de travail. C’était un peu comme fabriquer sa maison.

E.N. : C’est vrai qu’on est dans une omniprésence des technologies, certains peuvent parfois même être étonnés que j’écrive encore dans un carnet papier.

A.D. : En sciences cognitives, il y a des études qui prouvent que l’usage des smart-objetcs rend « stupide » : on retient mieux les choses en les écrivant à la main, car le geste est proche de la pensée.

On parle de cognition embarquée. Là où l’intelligence se trouve dans le corps. Tu as autant de neurones dans tes intestins, dans ton estomac, que dans ton cerveau et tu apprends aussi de nombreuses choses par la peau, par la sensation de chaleur, de bien être, du toucher. On peut apprendre et comprendre par la peau, c’est ce que font les bébés.

D’ailleurs, le premier contact que l’on a avec quelqu’un ou avec quelque chose passe par la peau. Même visuellement. C’est la première différence entre toi et l’autre. Regarder, pour moi, c’est déjà un geste tendu vers l’autre.

Voilà pourquoi j’en suis venue à faire une recherche d’oculométrie avec des maîtres d’arts martiaux. En me disant finalement qu’en arts martiaux, ce qu’on apprend c’est d’avoir une concentration, un focus sur un seul point. Ce que dit l’esthétique indienne à ce sujet est que le geste est guidé par le regard.

E.N. : On interagit avec des écrans, selon vous, sommes-nous acteurs ? Sommes nous restreints dans notre répertoire gestuel ? Quel regard portez-vous sur la nature de cet échange ?

A.D. : C’est une question que je me pose, à laquelle je ne suis pas en mesure de répondre. C’est trop compliqué, je n’ai pas de réponse. L’objet écran m’interpelle. Je pense que les écrans de la technologie numérique sont trop nouveaux, on ne se rend pas encore compte de leur effet sur la qualité des interactions humaines. Eux par exemple (elle pointe du doigt un homme prenant une photo d’un autre homme), sont co-présents par écran interposés. Peut être qu’ils sont en train d’envoyer cette photo à quelqu’un d’autre. Aujourd’hui il y a internet, il y a la télévision, il y a l’écran de la scénographie, il y a le rideau de théâtre. L’écran est partout.

E.N. : On ne sait pas qualifier les espaces d’expression.

A.D. : Maintenant il faut réfléchir à ce qu’est un écran. Il y a de nombreux types d’écrans différents, donc parler « d’interaction avec l’écran » c’est une question trop simple pour parler d’un objet complexe. Un écran peut servir à de nombreuses tâches différentes.

Il peut être utile pour y taper un SMS. Un SMS, un message Whats-App ce n’est pas la même chose. Skype c’est encore autre chose, FaceTime, etc. Il y là des « canaux » de communication, des médias. Puis il y a l’écran tactile, il y a l’écran où tu vois quelqu’un, il y a l’écran qui te détecte. Donc c’est une question très ouverte et personne n’y a encore vraiment répondu. Julien Prévieux (dans « What Shell We Do Next? ») a déjà bien introduit cette notion de rapport à l’écran, du rapport au tactile, du rapport au geste. Il est sur le geste, il fait disparaître l’objet.

E.N. : La technologie tactile apporte une dimension cognitive inédite dans l’usage des appareils, cela ouvre t-il, selon vous, de nouvelles perspectives dans l’expression du geste ? Ou par effet d’écran interposé, cela fige ?

A.D. : Non, cela apporte de nouvelles solutions. Les dernières observations scientifiques montrent que, comme on a développé les écrans tactiles, on a développé, dans ce geste de « swipe » du bout du doigt, une sensibilité qui est proche de celle des violonistes experts.

On a développé une nouvelle habileté. Je me rappelle la première fois où mon père devait taper un SMS, il m’envoyait des messages incompréhensibles. Aujourd’hui il s’est adapté à l’usage de l’outil et il tape ses SMS rapidement, avec facilité. Il y bien là un processus d’apprentissage qui se développe avec l’usage de l’objet-outil.

E.N. : Les technologies créent de nouveaux usages, l’anthropologue Eric Duyckaerts allant jusqu’à envisager des modifications corporelles dans l’évolution humaine.

A.D. : Je ne pense pas que cela engage des modifications corporelles, si ce n’est la radiation ou la vibration du téléphone. Ce qui est sûr c’est que la technologie développe des cancers. C’est connu, il y a des cas de tumeur du rocher dues à l’usage des téléphones portables. Les lobbies font pression pour ne pas qu’on diffuse les résultats d’enquête. Cependant, j’ai été visiter un département de recherche en Inde, l’Antenna-Lab à l’IIT de Bombay (à Powai). Un groupe de chercheurs explique d’ailleurs très bien comment les radiations agissent sur notre corps. C’est plutôt effrayant.

Ils disent également qu’elles agissent sur l’écologie : la disparition des abeilles  n’est pas seulement due à l’usage des pesticides, mais à l’abondance des fréquences radio qu’on utilise désormais sans cesse. On en parlait ce matin avec Frédéric Bevilacqua de l’IRCAM, si tu poses un téléphone portable sur une table avec des fourmis, les fourmis se mettent à tourner autour du téléphone. Techniquement, biologiquement, on ne sait pas ce qui se passe. On ne sait pas « comment ça fonctionne » …

Et pour autant, nous avons des rapports d’amour à notre téléphone. D’un point de vue anthropologique, ce qu’on peut faire avec la technologie m’intéresse. Et je préfère faire partie des personnes qui la développent dans un sens qui se tourne vers les arts ou l’éducation.

Pour leur performance des « sorcières » (allusion au workshop qu’elle a mené avec des élèves de l’ENSCI et l’IRCAM), j’ai d’abord fait travailler les filles sur le corps avant de travailler avec la technologie, et ensuite sur ce qu’elles voulaient faire. Tous les autres sont partis de l’outil, ils ont développé l’objet. Nous sommes parties d’un déplacement du corps dans l’espace.

E.N. : Par exemple, moi lorsque les sons sont arrivés, je ne savais pas ce que je devais faire comme mouvement. Un téléphone, on le tient d’une façon propre à son usage. Vous faites se rencontrer le téléphone et des gestes qui ne lui sont pas propres, des répertoires gestuels qui n’ont rien à voir.

Là où la technologie a été utile, c’est au niveau de la synchronisation. Le son émis par le smart-phone permet aux filles de se synchroniser immédiatement. Sans technologie pour faire ce qu’elles font aujourd’hui, on mettrait sans doute deux semaines pour que j’arrive à les faire travailler ensemble de ma même manière. Là où le retour sonore leur permet d’articuler un geste synchronisé dans le temps et dans l’espace.

Ce que j’aime avec la 3D quand on est sur scène, c’est la capacité à générer des mondes immédiats. On peut créer des objets qui n’existent pas. Je peux réfléchir le théâtre et la dramaturgie au sein de nouveaux espaces de jeu, il y a comme une nouvelle dimension ouverte : celle de la projection.

Avant l’écran était plat, maintenant on a une capacité de perspective cinétique dans l’écran. Ce qui me permet de faire un peu de magie, de générer une illusion.

E.N. : Je sais que vous êtes influencée par le travail du chorégraphe William Forsythe. Il développe des systèmes de captation et de notation comme processus créatif. Comment envisagez-vous votre travail dans ce sens ?

A.D. : J’ai été très inspirée par le travail de Bill Forsythe et de Chris Ziegler effectivement :  « Improvisation Tools ». Après avoir découvert « Synchronous Objects » J’ai écrit à Scott DeLaHunta, à qui j’ai demandé l’accès à sa thèse. Puis on a échangé par mail sur la question de point de vue dans la recherche en danse et technologie. Scott était danseur et c’est ce qui est intéressant dans sa recherche d’après moi : il crée des objets « pour la danse par la danse » étant lui-même danseur.

La technologie nous sert de jeu pour l’improvisation. C’est une manière d’écrire. Elle n’est qu’un outil de plus pour générer de nouvelles formes. La technologie permet une archive vivante, avec la modélisation d’un geste qui évolue. C’est la part d’impossibilité qui nous plaît.

On est entrés dans une ère où les gens sont très timides, ils n’osent plus rien faire d’eux-mêmes. Aujourd’hui dans la culture occidentale, on est assisté par ordinateurs. On ne se regroupe plus pour chanter, on écoute de la musique enregistrée. C’est comme si on avait perdu le premier instrument, la première technologie, le corps. Alors que c’est tellement naturel de chanter. C’est un peu ce jeu où on essaie de retrouver le dynamisme d’être ensemble et de faire quelque chose ensemble.

Pour conclure, je ne suis ni technophile, ni technophobe. J’essaie juste de trouver un équilibre où la technologie serait un outil, comme une paire de ciseaux. Avec mon téléphone je peux faire des tas de choses utiles : je ne me perds plus, j’arrive souvent à l’heure, je peux téléphoner, je peux envoyer des e-mails. Après, je le coupe dès que j’en ai l’occasion et je referme l’ordinateur dès que possible, je ne supporte pas très longtemps de rester à la lumière de l’écran, j’écris pratiquement tous mes textes à la main. La valeur du geste humain, l’efficacité du geste, est très importante pour moi. C’est une empreinte de mon être dans le réel.

Faites vos jeux !

Posted: June 13th, 2017 | Author: A.D. | Filed under: ANTHROPOLOGIE — réflexions croisées sur un monde qui bouge, PERFORMANCE — théories et pratiques | No Comments »

Le Forumidable est un forum qui a lieu tous les ans (depuis 3 ans). Il a pour but de promouvoir la recherche en arts. De faire en sorte que les designers trouvent une reconnaissance à leur pratique de recherche. Ouvert à tous, étudiants des écoles d’art, de design et d’architecture, artistes, designers, architectes, etc. Il est organisé par Armand Béhar et Antonella Tufano.

Espace de travail, d’écoute, de discussion, de production, le forum propose de questionner les pratiques actuelles de la recherche par la création en arts, en architecture et en design : Comment fonctionne la recherche par la création ?

Afin d’observer cette pensée opératoire à l’oeuvre sont invités des chercheurs-artistes de tous horizons. Tentatives de toucher, d’esquisser, de comprendre que ce qui surgit-là pourrait ouvrir des nouveaux territoires de connaissances. En Mai 2016, ma proposition était la suivante :

Faites-vos jeux !

A la manière d’Aby Warburg, composez une image afin d’inventer une carte, concevoir un tableau, composer une image, tracer un diagramme, générer un collage. Pendant les deux jours de conférence du Forumidable, travaillez les traces de la mémoire. Actualisez l’Atlas Mnémosyne. Jouez vous des images et composez les vôtres en réponse aux mots, concepts, sonorités échappés de la conférence voisine

Warburg dans sa bibliothèque

Voici la proposition initiale: Il s’agit d’une performance collective. Oeuvre de manipulation des images de mon travail d’enquête, elle s’initie à partir des 254 images posées sur a table devant qui voudra bien s’y rallier.

Ces photographies représentent dix années de recherche par l’image. Dix années de souvenirs, de flânerie, de voyage sont proposées comme matériau brut. Je les ai déposées sur la table de l’atelier. J’attends qu’un passant vienne s’en emparer.
Je propose à chacun d’arranger les cartes comme il le souhaite ou alors, comme il l’entend. La table se trouve installée au fond de la salle Charlotte Perriand, au dernier étage du bâtiment. La fenêtre est ouverte et donne sur la terrasse. Par delà les toîts, les nuages. Au centre de la salle se donne la conférence.

Trois tables de travail sont installées derrière lesquelles un écran est descendu pour montrer des images, depuis laquelle on entend les invités du forum s’exprimer.

Chorégraphie d’idées, de mots et d’images, à l’instar de l’Atlas Mnémosyne, les dix années de travail ethnographique, de balancement entre l’Inde et la France où le double de la description n’est autre que l’incertitude, se jouent dans tous les sens afin de se concrétiser d’une manière qui plait au joueur, au passant.

Lors de sa conférence, in-situ, Patrick Bouchain dit : « L’acte est possible car il est enjoué ». Au-delà de toute théorie de l’agency, l’acteur (celui de mon enquête) est agent des théâtres : c’est son corps qui compose les gestes, les signes, les sonorités. C’est ici la capacité de jeu à agir dont il est question. J’invite alors le passant, là présent, à se jouer des images et à les arranger dans le sens qui lui conviendra.

Au-delà de la théorie des jeux il y a le sens des signes, du motif. Et la communication de tous ces kinèmes, extraits, fragments, images clés dans langages du corps qui font de nous ce que nous sommes, des êtres humains.

Le jeu proposé ici consiste en la contribution du passant à se faire passeur de sens. Celui qui s’avance pour un nouveau type de travail à la table est interrogé sur sa capacité d’éditeur. Telle une chirographie, il se fera maître d’une partition de gestes.

Et sur les vidéos d’arrangement des images on lit, le choix, l’arrêt, le plaisir, l’immobilisation, la satisfaction, le sentiment de donner du sens…

La table est une invitation à une nouvelle espèce travail. Elle se veut être un relais aux espaces machiniques. Elle est le lieu d’une répétition: prendre une image parmi la collection, lui trouver des correspondantes, aligner sa sélection.

Chacun est libre de refaire le geste de son prédécesseur ou d’en inventer de nouveaux. Le travail d’édition se poursuit ensuite sur l’ordinateur : l’édition numérique de la planche sera imprimée au traceur.

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